Mano de obra de David Zonana

Gillian Turner ______________

Un duro retrato de las condiciones de vida de un importante sector de la población: los trabajadores de la construcción o sea, los albañiles. En Mano de obra un grupo de albañiles trabaja en una lujosa residencia en el Pedregal. La obra está en la etapa de los acabados, la pintura, la instalación de tinas y demás. De repente, en los primeros momentos de la película, un trabajador cae del piso de arriba, y muere.

Ahora salen a flote, aparte de las evidentes desigualdades, las injusticias y la marginación que sufren los trabajadores. A veces les atrasan los pagos sin explicación, hay descuentos por pequeñeces, los exigen trabajar horas demás sin compensación. Al muerto (abstemio de por vida) los patrones lo acusan de trabajar en estado de ebriedad para evitar pagarle una indemnización a la viuda.

Cualquier queja se bloquea. La última autoridad es “la oficina”. Nada se resuelve sin la autorización de la misteriosa “oficina”. Hasta el dueño de la residencia habla de los  poderes de decisión de “la oficina”.

Francisco Cruz, hermano del difunto, se frustra con la falta de respuesta, y las constantes demoras y bloqueos. Empieza a trepar la barda de la residencia en las noches para pasear por las habitaciones ya casi terminadas. El contraste entre esta casa y su propia vivienda no podría ser más notorio. En una toma vemos a Francisco en casa bañándose a jicarazos. En otra, lo vemos relajado, remojándose cómodamente en la reluciente tina de la residencia.

Un día llegan los albañiles a trabajar para enterarse de que el dueño ha muerto. La obra se cierra, el trabajo queda inconcluso, al igual que los pagos.

Francisco se adueña de la residencia y escoge una de las habitaciones como la suya. En un gesto elocuente desemplaya la cama y un magnifico closet para guardar sus cosas.

Después de unos meses Francisco invita a sus ex compañeros a ocupar lo demás de la casa.

El mensaje de la película es desesperanzador.  Francisco y sus amigos se mudan de sus casuchos para instalarse en una residencia de lujo. Pero en realidad la condición de sus vidas no cambia. El hacinamiento, las carencias, las discusiones, la opción poco grata para las mujeres de trabajo doméstico … todo sigue igual, y ahora hasta peor a causa de las maquinaciones de un licenciado chueco y voraz.  El final es previsible. Tal como planteó Luis Buñuel en Los olvidados, la pobreza, plagada como está con carencias e injusticias, no necesariamente conduce a la bondad.

Mano de obra acaba de ganar dos Arieles muy merecidos: Mejor Ópera Prima para el director David Zonana; Mejor Actuación Masculina para Luis Alberti. Alberti interpreta a Francisco Cruz y es el único actor profesional entre el grupo de albañiles que salen en la película. Para aprender algo del oficio pasó tiempo en construcciones, conviviendo con los trabajadores. Cuenta él cómo trataron de enseñarle hacer el aplanado: ¡mucho más complicado que parece! Aprendió más acerca del albur, el compañerismo, el ambiente laboral de ese sector tan peculiar.

Con esta película David Zonana debuta como director y escritor. Anteriormente había trabajado en el área de producción, colaborando varias veces con Michel Franco, cuya película Nuevo Orden ganó el León de Plata (Premio del Jurado) en el Festival de Cine de Venecia 2020 y está por estrenar en México.

Zonana ha logrado una asombrosa labor de dirección de actores (en este caso también no actores) mezclando unos pocos actores profesionales con una agrupación de albañiles y amigos junto con sus familias: esposas, novias, señoras, papás e hijos. El resultado es el retrato de una realidad palpable, vital, con todos los pequeños detalles de la vida cotidiana.

Esta es una película valiente, que narra sin sentimentalismo la triste verdad de nuestra sociedad tan injusta y desigual.

UAA participa en homenaje al cineasta hidrocálido Jaime Humberto Hermosillo

 .- La muestra “Nos estamos viendo, Jaime Humberto Hermosillo” se lleva a cabo gratuitamente del 6 al 11 de octubre en la plataforma FilminLatino.

.- El ciclo contará con la exhibición de dos de los títulos más importantes de su filmografía: “Doña Herlinda y su hijo” y “María de mi corazón”.

Ciudad Universitaria 07 de octubre de 2020.- La Universidad Autónoma de Aguascalientes, a través de Cinema Universidad, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y Claro Video, invita a la población a formar parte del ciclo de cine “Nos estamos viendo, Jaime Humberto Hermosillo”, una exhibición gratuita que se llevará a cabo del 6 al 11 de octubre en la plataforma FilminLatino y que rendirá homenaje al cineasta originario de Aguascalientes.

En el marco de este ciclo, la audiencia podrá apreciar dos de las obras más importantes de Jaime Humberto Hermosillo: “Doña Herlinda y su hijo” y “María de mi corazón”, además de cuatro cintas que fueron filmadas entre 1979 y 1991. Cabe señalar que las películas solo se exhibirán en la plataforma FilminLatino por un día, es decir, el acceso a cada película estará restringido a un permiso de 24 horas para que los usuarios puedan disfrutar de ellas.

Es importante mencionar que originalmente se contemplaba que estas filmografías se exhibieran de manera presencial en la institución a través del programa Cine Café de la UAA, gracias a la iniciativa del IMCINE que las difundiría en diferentes ciudades del país; sin embargo, ante la contingencia sanitaria por covid-19, la Universidad Autónoma de Aguascalientes sumó esfuerzos con Claro Video para obtener el permiso de exhibición y proyectarlas de manera digital.

Además, esta muestra contó el apoyo invaluable de los primeros actores María Rojo y Héctor Bonilla, así como de la Cineteca Nacional, quienes hicieron posible que “María de mi corazón” formara parte de este ciclo que, entre otras cosas, la muestra reflejará la esencia del cineasta mexicano con temas como la familia, los prejuicios, la ruptura de tabúes y del orden moral, además del conservadurismo y la doble moral de la sociedad.

Jaime Humberto Hermosillo nació en Aguascalientes en el año de 1942. Dio sus primeros pasos en el mundo del séptimo arte a mediados de la década de 1960. Desde entonces, ya fuera como director, guionista, productor o incluso actor, se dedicó a construir una sólida y amplia trayectoria, al punto de convertirse en uno de los pilares del cine de autor de los años 70. De igual forma, es considerado pionero de formatos para contar historias, desde celuloide hasta video, y abordar el tema de la libertad y la diversidad sexual en contextos en los que era inimaginables presentar.

Algunas de las cintas que podrán disfrutarse dentro del ciclo de cine «Nos estamos viendo, Jaime Humberto Hermosillo» son: “Amor Libre”, “Confidencias” y “Clandestino destino”, que se exhibirán de manera gratuita los días 6, 7 y 9 de octubre, respectivamente, a través de la plataforma FilminLatino.

Para mayores informes o consulta de la cartelera completa, las personas interesadas pueden visitar las redes sociales del departamento de cultura de la UAA, o bien, en el apartado del departamento de Difusión Cultural de la página web de la institución https://dgdv.uaa.mx/difusioncultural/2020/cine/JHH

Portrait de la jeune fille en feu/Retrato de la mujer en llamas (2019) de Céline Sciamma

Gillian Turner ______________

Estamos en el año 1770. Marianne, una joven pintora, deja sus alumnas en París para viajar a un remoto castillo en la costa de Bretaña. Su comisión es pintar el retrato de Héloïse, una joven recién salida de un convento, para enviarlo a un aristócrata italiano. El hombre era pretendiente de la hermana de Héloïse que se suicidó. Héloïse es su reemplazo.

Héloïse es renuente. Marianne, algo contrariada, debe trabajar a escondidas. Pero mientras la relación crece entre las dos mujeres, las expresiones de ambas cambian, los rostros se suavizan. Héloïse sonríe. Marianne, más relajada, ya puede trabajar abiertamente. Entre caminatas al borde del mar, y charlas cada vez más cándidas, se desarrolla un profundo romance. Para Héloïse es una experiencia nueva. Le pregunta a Marianne: ¿Cómo es enamorarse? ¿Cómo se siente estar enamorada? Marianne le enseña las respuestas.

Aparte de las enamoradas, está Sophie, la criada, cuya complicidad es clave. En la ausencia de la señora condesa, madre de Héloïse, Sophie se convierte en amiga, cómplice, compañera. Y cuando se dan cuenta del problema que tiene Sophie, Héloïse y Marianne a la vez le brindan su amistad y compañerismo, acompañándola a resolver un embarazo indeseado.

Se termina el retrato. Regresa la madre de Héloïse. Sophie deja de ser amiga y cómplice, vuelve a ser criada. Las enamoradas se separan.

La película es bella, hecha de retratos, de miradas, de pequeños gestos. La acción se alterna entre caminatas por los riscos que dan al océano — el Atlántico frío y ventoso — y los salones al interior de un castillo semi-abandonado, escasamente amueblado. Nunca vemos el exterior.

Las actrices son atractivas y muy buenas, la fotografía y la iluminación espléndidas. ¿La música? No la hay, aparte de una canción a cappella durante una fiesta entre los habitantes de los alrededores, y la rendición conmovedora de un concierto para violín de Vivaldi, que da un peso aún mayor al desenlace de la película. La letra de la canción es en latín: “fugere non possum”. Según Céline Sciamma, la directora, se trata de la adaptación de una frase de Nietzsche, que dice básicamente: Lo más alto volamos, lo más pequeño nos ven los que no pueden volar. Céline Sciamma presentó la película en el Festival de Cannes 2019 donde ganó el premio por mejor guión. En la conferencia de prensa dijo ella: “Quería hacer una historia de amor, un filme que habla de una historia de amor y paso por paso describe cómo es el enamorarse.”

Ordinary love/Amor extraordinario (2019) de Lisa Barros D’Sa y Glenn Leyburn

Tom y Joan viven cómodamente en Belfast, Irlanda del Norte. Jubilados, pasan sus días juntos; salen a caminar juntos (siempre la misma ruta, hasta el mismo árbol, y de regreso), van juntos al supermercado, ven TV juntos. Un día Joan siente una bola en un seno. Se inicia el calvario de visitas al hospital: la mamografía, la biopsia, la diagnosis, las operaciones, la quimioterapia, la pérdida del pelo. Y finalmente, la recuperación. Durante todo está presente el amor. No es un amor azucarado, melodramático, de una gran pasión llamativa. Es un amor perdurable, cotidiano, de la convivencia, los pequeños detalles, los chistes privados, las quejas, las peleas.

Nos enteramos de una tragedia en su vida matrimonial. Su única hija murió hace unos años. Quizás este hecho es lo que les mantiene aislados, y que ha acentuado su dependencia el uno del otro. No hay amigos que les hablen por teléfono. No hay chismes con los vecinos, ni visitas. La casa se ve vacía, excesivamente ordenada.

Liam Neeson en esta ocasión abandona sus papeles de hombre fuerte de acción y se revela como el excelente actor que es. Como el marido Tom da una actuación llena de sensibilidad y ternura. Vemos un hombre gentil, algo torpe, atrapado en una situación en donde se siente impotente e indefenso, un hombre enamorado de su mujer. Lesley Manville es espléndida como Joan. Su interpretación muestra los matices, las emociones, las dudas, de una mujer de repente inmersa en una experiencia nueva y desconocida. Es valiente; no pierde su sentido de humor. Somos testigos de la soledad sufre uno al padecer una enfermedad, y sus esfuerzos por – sino superarla – por lo menos intentar acostumbrarse a ella.

El escritor de la película, el irlandés Owen McCafferty, recurre a una experiencia propia, cuando su esposa fue diagnosticada con cáncer de mama. Los directores Lisa Barros D’Sa y Glenn Leyburn, ambos de Belfast y marido y mujer en la vida real, trabajan juntos por tercera vez. Barros D’Sa describe Ordinary Love (traducido inexplicablemente como Amor Extraordinario en México) con estas palabras: “… una historia que celebra la poesía de la vida común y corriente, los momentos comunes y corrientes, la textura y normalidad de un amor duradero.”

Así que las dos películas son historias de amor. El amor de Héloïse y Marianne, por razones fuera de su control, dura una semana. El de Tom y Joan ha durado décadas. Pero el amor de ambas parejas es igual de profundo, genuino, verdadero. Vemos las dos parejas de amantes inmersos en su amor único. Por lo tanto, viven apartados de los demás, en una burbuja intocable, inquebrantable. El aislamiento de Héloïse y Marianne lo simboliza aquel castillo remoto, abandonado. La muerte de la hija profundiza el aislamiento de Tom y Joan.

¡Por fin, se abren los cines! ¡Por fin, la pantalla grande!

Thalía agradece porque su canción “No me enseñaste” tiene 200 millones de reproducciones en YouTube

.- La cantante y actriz mexicana festejó el éxito de una de sus emblemáticas canciones.

Thalía festejó que su tema “No me enseñaste” alcanzó los 200 millones de reproducciones en YouTube.

Thalía sigue cosechando éxitos. La cantante y actriz mexicana celebró a través de sus redes sociales la buena noticia de que su tema “No me enseñaste”−una de sus canciones más representativas que se estrenó en 2002− superó los 200 millones de visualizaciones en YouTube.

“¡GRACIAS por tanto! ¡VAMOS por más@mis amores! ¡Este himno de 2002 acaba de pasar la marca de los 200 millones en YouTube! ¿Alguien duda de cuán atemporal es esta canción y amada por muchos fanáticos mexicanos? ¡Que vengan más y más visitas!”, escribió Thalía junto al clip.

Entre el escenario y la utopía, un thriller psicológico

.- La obra El chico de la última fila, la delgada línea entre la realidad y la ficción, tendrá un reparto integrado por Anna Ciocchetti, Carlos Corona, Luis Miguel Lombana, Paloma Woolrich, Jorge Caballero y Mauro Sánchez Navarro; se presentará del martes 22 de septiembre al miércoles 28 de octubre, la puesta en escena tendrá una temporada en el Teatro Benito Juárez.

Blas A. Buendía__________

blaslajeo@gmail.com

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La conjugación entre la realidad y la ficción la harán cristalizar en el teatro Benito Juárez, con la intervención de unos actores y actrices que dejarán huella en el devenir de la vida cotidiana no solo del país, sino a nivel mundial.

Germán, un profesor de literatura en una preparatoria, se topa con que la redacción de uno de sus alumnos, cosa rara, está bien escrita.

A partir del descubrimiento inicia junto con Claudio, este chico silencioso que escribió la redacción y que se sienta en la última fila, un peligroso viaje iniciático en el que se verán involucradas las personas que tienen a su alrededor.

El chico de la última fila, obra del dramaturgo español Juan Mayorga y dirigida por José María Mantilla, regresa a los escenarios, en esta ocasión en el Teatro Benito Juárez del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

La propuesta del dramaturgo, filósofo, matemático y Premio Nacional de Teatro en 2007 en España se escribe en el tiempo de la representación, es decir se asiste a la puesta en escena de lo que se redacta de forma que, finalmente nos cuestionamos, si todo lo visto no es un artificio construido por uno de los personajes, del que nos ha hecho partícipes a todos.

El chico de la última fila es una página en blanco que comienza a llenarse cuando se levanta el telón. En este thriller psicológico se mezcla lo real con lo imaginado, a través de los personajes y sus diferentes puntos de vista y de las opciones de cómo debería ser contada la historia.

Una obra sobre maestros y discípulos, padres e hijos, personas que ya han visto demasiado y otras que aprenden a mirar. Una propuesta acerca del placer de asomarse a las vidas ajenas y sobre los riesgos de confundir la vida con la literatura. Una puesta en escena sobre los que eligen la última fila: aquella desde la que se ven todas las demás.

La puesta en escena en México está dirigida por José María Mantilla, actor, director y docente, egresado del Centro Universitario de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Amplió sus estudios en el Centre Dramatique National La Manufacture, en Francia, donde actualmente reside. El reparto está integrado por Anna Ciocchetti, Carlos Corona, Luis Miguel Lombana, Paloma Woolrich, Jorge Caballero y Mauro Sánchez Navarro.

La farándula y Cía. es la empresa productora encargada del montaje, está conformada por un talentoso grupo de creadores escénicos que han trabajado anteriormente en proyectos teatrales y que, a partir de esta obra, toman este nombre para establecerse formalmente como una compañía dedicada a la producción de puestas en escena de calidad en el ámbito nacional e internacional. Anteriormente han llevado a escena obras como La muerte de un viajante, de Arthur Miller o Mar muerto, de Jacques Bonnavent.

El chico de la última fila se presentará del 22 de septiembre al 28 de octubre, todos los martes y miércoles, a las 20:00 horas, en el Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc, cerca del Metrobús Reforma).

Rancheras, vallenato y futbol en concierto de Carlos Vives

.- Auditorio Nacional atiborrado de colombianos, mexicanos y venezolanos.

Portal The Exodo/Luis Carlos Rodríguez _________

Los sonidos del acordeón del vallenato se transformaron en ritmos rancheros y de mariachi cuando Carlos Vives, cantante colombiano, realizó  un homenaje a México,  sus artistas y cantantes para entonar lo mismo las de José Alfredo Jiménez que las de Agustín Lara.

Noche de música y realismo mágico en el Auditorio Nacional que se vistió del país cafetalero,  con miles colombianos avecindados en nuestro país  con playeras de la selección de futbol de Colombia, enfundados también con los tradicionales y grandes sombreros de palma.

Carlos Vives.
Carlos Vives.

Por más de dos horas, Carlos Vives repasó lo mejor de su reportorio que mezcla ritmos como el vallenato, la cumbia, sonidos africanos, la gaita de los indígenas colombianos, el rock urbano de Bogotá y en esta ocasión las “rancheras mexicanas” como él las llama para evocar la pasión de su abuelo por el mariachi.

“México buenas noches, ya empecé a sudar”, dijo Carlos Vives al iniciar el concierto ante cerca de 10 mil personas que cantaron y bailaron el repertorio completo con casi una veintena de temas, intercalado con otra de sus pasiones, el futbol, dominando balones que después regaló al público.

Conocedor de la problemática que vive México por estos días, pero siempre cuidadoso de las formas, dijo que los malos nunca podrán contra la grandeza de nuestro país y apuntó: “México, nada puede con lo divino de tu nombre, por eso este colombiano viene a decirte” que “Quiero verte sonreír”, nombre de una de sus canciones.

Por momentos nostálgico de sus primeros años cuando el dilema era cantar rock o vallenato, recordando su niñez en Santa Marta, en El Caribe colombiano, dijo que de ser mexicano el sería de Tlacotalpan, Veracruz, que es lo más parecido a su tierra.

Vestido de jeans y playera negra, al final se enfundó en una casaca del mismo color de la selección mexicana de futbol y tuvo palabras para los chilangos a quienes de dedicó

Una bandera de Venezuela, ondeada por una mujer en primera fila le fue ofrecida. Carlos Vives no la tomó, pero recordó que colombianos y venezolanos son lo mismo, donde quieren que se encuentren, lo mismo en la guajira, que en los llanos o en la frontera. Todo ello en clara alusión a la crisis migratoria.

Más adelante  presentó  a cada uno de sus músicos y coristas que lo acompañan en este tour desde hace 23 años, cuando empezó su carrera con la famosa canción “La Gota Fría”, que interpretó y puso a bailar a todo el Auditorio Nacional que se deleitó también con el acordeón con la pieza “Pa’ Mayté”.

“Matilde Lina” fue dedicada a los “los chilangos y chilangas” presentes para continuar con temas como “Fruta Fresca”, Baila Conmigo”, “La Cartera” y las rancheras como “El Corrido del Blanco”, “No Volveré y “Te Solté la Rienda”, todo acompañado de imágenes de en las pantallas de Cantinflas, Dolores del Rio y María Félix. Todo ello en el escenario iluminado de los colores patrios de México.

Casi al final del concierto, el colombiano tuvo tal vez el único error de su noche mágica en México, al mencionar la presencia del ex presidente Felipe Calderón Hinojosa, quien se encontraba en las primera filas del Auditorio Nacional: “Saludo a mi compadre Felipe Calderón”, soltó Carlos Vives y de inmediato empezó a cantar la última de la noche lo que evitó la rechifla de los presentes.

Festival de jazz en Rusia, una fiesta de cinco continentes

Martha Sánchez (*)___________

 Feodosia, Rusia (PL).-  El festival Koktebel Jazz Party de 2015 rindió culto a las tendencias más clásicas ese género musical y demostró que en Rusia tiene adeptos capaces de reunir a los cinco continentes en una gigantesca fiesta.

 Hace más de 12 años, un grupo de jóvenes se reunían en el balneario del poblado de Koktebel, en Crimea, todos los veranos, para intercambiar improvisaciones de jazz en un ambiente informal, luego dormían en tiendas de campaña en la arena. Cuando en 2003, decidieron convertir la experiencia en evento nació el primer festival.

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 Uno de sus principales organizadores, el director general de Rossia Segodnia, Dmitri Kiseliov, era de aquellos jóvenes entusiastas que disfrutaba de la música rodeado de amigos y según contó los objetivos de la cita se mantienen invariables en todas las ediciones: traer aquí la inspiración y la bondad inmersas en el jazz.

 En 2015, el festival se llevó a cabo bajo el lema Cinco Continentes Jazz, y concurrieron músicos de Brasil, Cuba, Gran Bretaña, Estados Unidos, Israel, India, Armenia, Alemania, Bélgica, Benín, Azerbaiyán y los Países Bajos.

 Como para acentuar aún más el carácter de fiesta, cada gala del 28 al 30 de agosto se prolongó hasta la madrugada del día siguiente.

 Desde el punto de vista artístico, la mirada principal apuntó al pasado mediante continuas alusiones a fraseos tradicionales del jazz, así como al mambo, el blues, el rock and roll y la época dorada de las big bands.

 Temas como While my guitar gently weeps, de los Beatles, coreado por el público en la sureña playa Koktebel, en la costa del mar Negro, fueron de lo menos antiguo, pero indudablemente el repertorio menos contemporáneo es el que allá le roba el corazón a miles.

 Fuegos artificiales y una luna llena que teñía de plata una pista de olas, adornaron cada noche la fiesta disfrutada por personas de todas las generaciones, en los asientos del teatro construido al aire libre o en la arena del balneario.

 Muchos lo vieron desde allí pues 450 sillas no alcanzaron y el escenario a escasos metros del mar fue construido con la intención de extender el evento sin límites, de modo que cientos presenciaron las galas acostados en la arena mientras los más jóvenes bailaban.

 Koktebel es uno de los mayores sitios turísticos de la provincia de Crimea y de acuerdo con el jefe de la administración de esa urbe, Dmitry Shchepetkov, el Jazz Party atrajo a la ciudad rusa de Feodosia a más de 15 mil turistas.

 Para este dirigente se trata de uno de los festivales más abarcadores en cuanto a tendencias musicales, por eso logra convocar a artistas y admiradores de los cinco continentes.

 Miles de personas de dentro y fuera de Rusia reservan sus vacaciones del año para venir aquí a disfrutar de esta fiesta artística, aseguró.

 Shchepetkov calificó el Koktebel Jazz Party como el principal evento cultural celebrado en la península de Crimea y no solo por la elevada calidad artística sino también por su notable impacto económico.

 Los hoteles de la playa de Koktebel estuvieron llenos y el hecho igualmente benefició a los negocios locales, pero todo el que quiera entender el jazz o al menos tener contacto con puro jazz debería venir aquí, recomendó Shchepetkov.

 Al mismo tiempo, apuntó, el evento promueve deportes relacionados con la aviación en esta costa del mar Negro, rodeada de colinas grises y azules.

 Tres pantallas digitales facilitaron el acceso a los conciertos compartidos por personalidades de la música como el contrabajista israelí Avishai Cohen, el célebre saxofonista italiano Stefano di Battista, la banda inglesa Red Square Band, y figuras estelares de Rusia como Yakov Okun, Sergei Golivnya y Larisa Dolina.

 La segunda noche, el pianista y compositor cubano Gonzalo Rubalcaba y su grupo Volcán pusieron a bailar al público con marcado acento latino; pues coquetearon con elementos del son, la timba, la contradanza, el danzón y los ritmos africanos enraizados en América desde la colonización.

 Cantantes como Artur Best, Georgi Melikashvili y Olga Oleinokova acompañados por la agrupación británica Red Square Band regalaron baladas famosas en todo el planeta, entre ellas, la canción brasileña Mañana de Carnaval, compuesta en 1959 para la película Orfeo negro, de Marcel Camus.

 Varias alusiones al swing y el blues deleitaron a los más románticos, pero la sorpresa de la velada fue el saxofonista italiano Di Battista, quien alardeó de su talento con un paseo por la playa de Koktebel mientras tocaba el instrumento.

 El Festival concluyó en las primeras horas de la mañana del 31 de agosto con una declaración de amor al jazz clásico gestado en Norteamérica en las primeras décadas del siglo XX.

 Los músicos y directores estadounidenses Benny Goodman y Duke Ellington fueron los dioses de aquella velada en la que el blues y especialmente el swing atrapó durante poco más de seis horas a un público de aproximadamente mil personas dispuestas a tolerar por buena música la frialdad nocturna de esta región costera.

 Para resguardarse del frío, algunos traían mantas y otros, sin ninguna pena, arribaron a la playa con corchas a fin de disfrutar la música en estampa más hogareña.

 La vocalista rusa Karina Kozhevnikova junto a Four Tenors Sax interpretó la exitosa canción I Left My Heart in San Francisco, popularizada por Tony Bennett en la década de 1950, y sumaron otros temas de los Beatles además del famoso Every Breath You Take, que le valió un Grammy en 1984 a Sting.

 Otro tema de lo más clásico fue What a Wonderful World, escrito especialmente para Louis Armstrong a principios de 1960, y la vocalista rusa Larisa Dolina entonó pegajosas composiciones de jazz como la popular canción Fever.

 La cantante estadounidense Ada Dyer ofreció creaciones sonoras de su mentor Stevie Wonder y de Aretha Franklin, entre otros, mientras el virtuoso saxofonista Igor Butman al frente de su orquesta recordó la época de oro de las llamadas big bands.

 Solo habría que preguntarse si en el futuro el evento seguirá mirando hacia atrás nada más o podría explorar otras formas de acompañamiento y desarrollo.

 Como sea, el festival Koktebel Jazz Party es una contagiosa mezcla de mar, arena, música, rigor profesional y la pasión que caracteriza a los amantes del jazz, los atractivos sobran y la edición de 2015, aunque parezca una redundancia, devino gigantesca fiesta.

(*) Enviada especial de Prensa Latina al festival Koktebel Jazz Party.

Ximena Sariñana inundó con su talento la FUL 2015

.-  También dijo que en la lectura fue donde encontró las herramientas de la palabra que ahora ha logrado explotar a través de la letra de sus canciones, por lo que siempre es importante acercarse y meterse de lleno en los libros.

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Pachuca de Soto, Hgo., a 27 de agosto de 2015.- Ximena Sariñana simplemente inundó el Foro Artístico de la Feria Universitaria del Libro (FUL 2015), y no sólo con la cantidad de jóvenes seguidores que desde temprana hora se dieron cita en el deportivo Carlos Martínez Balmori, sino con su voz y su talento para interpretar y tocar también algunos instrumentos.

Desde que interpretó “Parar el tiempo” al iniciar su actuación de la noche, la juventud congregada en las instalaciones de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo dejó sentir toda la admiración y el fanatismo que tiene por la también joven artista nacida en Guadalajara.

Cantó “Cuando mientes”, “La vida no es fácil”, “La tina”, “No voy a decir que no”, “Normal”, “Ruptura”, “Como soy” y otras como “Fiesta forever” y “No vuelvo más”, donde mezcló melodías de sus álbumes anteriores y el más reciente de nombre “No todo lo puedes dar”.

Jimena Zariña.

Previo a su comparecencia ante el público juvenil de Pachuca, Sariñana lo había hecho con los periodistas a los que manifestó su reconocimiento para la UAEH por realizar eventos de corte cultural, sobre todo los enfocados a la lectura como es la Feria Universitaria del Libro.

Asimismo, dijo que en la lectura fue donde encontró las herramientas de la palabra que ahora ha logrado explotar a través de la letra de sus canciones, por lo que siempre es importante acercarse y meterse de lleno en los libros.

Sariñana, quien ha logrado abrirse paso con su talento y sobrepasar a quien poseía la marca, su padre el cineasta Fernando Sariñana, terminó su concierto con una gran entrega en reciprocidad a la que recibía de su público en las grades del foro artístico, con interpretaciones como “Sin ti no puede estar tan mal” y “Vidas paralelas”.

Desborda DLD la euforia juvenil en el foro artístico de la FUL 2015

.-  Presentaron su más reciente álbum llamado Futura; festejaron la importancia que la UAEH le da al fomento de la lectura y música.

Pachuca de Soto, Hgo., a 26 de agosto de 2015.- La expectativa surgida desde el momento mismo en que se anunció su participación en el foro artístico de la Feria Universitaria del Libro 2015, se cumplió en la presentación de la banda DLD, al desbordar sus seguidores el recinto principal del Polideportivo Carlos Martínez Balmori.

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Desde hora temprana miles de jóvenes se apostaron en las instalaciones de la feria, pasearon por los stands mientras aguardaban la hora de formarse y en cuanto se pusieron las vallas, las filas se hicieron enormes porque deseaban escuchar, cantar y por qué no, bailar-brincar al ritmo de la banda originaria de la ciudad de México.

Y para que las cosas se alegraran desde el principio, los integrantes de la banda pusieron a consideración de sus seguidores algunas de las canciones de su más reciente álbum llamado Futura. Así, Paco Familiar, Edgar PJ Hansen, Erik Neville, Keno Rivero y Sergio Vela hicieron delirar a sus seguidores durante poco más de dos horas.

“1° de Octubre” y “Arsénico” fueron las primeras piezas con las que inició el concierto a punto del desborde protagonizado por estudiantes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, quienes junto con su Patronato, impulsan la música como parte de la cultura de la juventud y al lado de la feria de las letras y las palabras.

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La banda realizó un recorrido, arropada su música con las luces en el escenario, para entregar a su público con “Sea”, “Devuélveme”, “Se va”, “Canción de Cuna, “El mapa de tus ojos”, “Las Cruzadas” y otras para terminar “Control”, “Viernes”, “Mi Vida”, “Todo Cuenta” y “Por Siempre”, que coronaron su actuación y la euforia juvenil.

Francisco Familiar, líder de la banda hizo referencia a la importancia de que instituciones educativas como la UAEH, que junto con su Patronato y el auspicio del Conaculta realicen este tipo de eventos culturales, sobre todo lo que tiene que ver con fomentar el hábito de la lectura y la música entre los jóvenes.

Delirio en el Rodeo Texcoco por el retorno de Los Huracanes del Norte

La intensidad musical de Los Huracanes del Norte volvió al Rodeo Texcoco -tras una ausencia de tres años- y el gran público se volcó en ovaciones, cantó y bailó con sus ídolos entre la noche fresca del sábado y la madrugada del domingo.

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Unas veinte mil personas se dieron cita en el centro de espectáculos que realmente está en Chicoloapan, Estado de México y donde regularmente se dan cita los máximos exponentes del mundillo de la onda Regional Mexicana. Para Los Huracanes del Norte, el rencuentro con su público del oriente del Valle de México fue toda una experiencia emocional.

Desde que una rampa en la parte trasera del escenario se elevó y fueron apareciendo Heraclio, Chuy, Lupillo, Chapete, Rocky, Pancho y El Güero, comenzaron los gritos, principalmente de las féminas, y cuando comenzaron los acordes musicales se fue fraguando el delirio.

Algunos temas desbordaron el ánimo del respetable: “Que me lleve el diablo”, “No más por tu culpa”, “La Suburban dorada”, “La clave 911”, “Como tú no hay dos” fueron interpretadas por Los Huracanes en compañía de un coro monumental a cargo de la gente.

Baile Huracanes del Norte en Texcoco (2)

  Y mientras los Meros, Meros, Meros de la Música Norteña hilaban un tapete musical de éxitos, la multitud coreaba, bailaba y gritaba conformándose una catarsis colectiva y una alegría desbordaba que quitó definitivamente el sueño…

La fuerza musical y el poder de convocatoria de Los Huracanes del Norte fueron reconocidas por los integrantes de la Banda Arrolladora y Los Titanes que alternaron con los creadores de canciones románticas y corridos que han traspasado el tiempo y la distancia.

Los Huracanes del Norte se llevaron bien cargadas las baterías por tantas buenas vibras y tras dejar a su paso una estela de felicidad en la multitud y luego de dos horas y media de éxitos, se despidieron de su público tras dos veces que los hicieron regresar al escenario para complacer con la otra y otra… luego la madrugada se hizo sueño.